Kandinsky y la teoría de los colores: el arte abstracto

Kandinsky llevó estos pensamientos a su máxima expresión ya de adulto. Sus amigos recuerdan que, en la primaria, junto con otro compañero, Paul Klee, llegó a montar una exposición donde acudieron profesores, alumnos y familiares, pero muchos se burlaron porque no encontraban la forma "real" a sus pinturas. Por cierto, Klee también se convirtió en otro de los grandes pintores de la historia.

Sin embargo, Kandinsky no se rindió y siguió pensando que el verdadero arte no tenía que reproducir la realidad tal cual es, sino que lo que debía definir a la pintura era el uso de los colores. A tal grado se obsesionó por este tema que desarrolló una teoría: a cada color le otorgó una cualidad misteriosa y secreta.

Así, el amarillo representaba la energía; el azul, la profundidad del cielo; el rojo, la alegría; el naranja, la salud, y el verde, la calma. A esto agregó el uso de las figuras geométricas como otro elemento para pintar, así como la música, bajo la idea de que para ver un cuadro se requiere "escuchar los colores".

Todo esto significó una propuesta radical para la historia de la pintura, pues por primera vez no se representó sólo a hombres, mujeres o paisajes, sino puntos, líneas y colores.

A esta nueva forma de pintura se le conoció después como arte abstracto. En este estilo no se debe pintar nada concreto o reconocible, sino que el artista pinta símbolos que salen de su imaginación y el espectador los interpreta libremente.

Así, Wassily Kandinsky fue uno de los primeros que usó sólo los elementos de la pintura —el color o las figuras— sin retratar objetos o personas reales.

Obras incluidas: 'Borrador para la portada del almanaque Der Blaue Reiter' (1911), acuarela con un jinete en un caballo blanco dentro de formas rojas y azules; 'Varias fiestas' (1940), composición abstracta con líneas y formas de colores.